Programme Automne 2022 – Fall 2022

De la comédie au film policier, en passant par un registre burlesque, CERTAINS L’AIMENT CHAUD est l’un de ces films cultes qui transcendent les frontières du genre et que tout cinéphile se doit de venir apprécier au moins une fois sur grand écran !

Nous sommes à Chicago, en 1929. Joe et Jerry, deux musiciens de jazz, assistent par malchance à un règlement de comptes entre gangsters lors d’une soirée. N’ayant d’autre possibilité que de se cacher pour éviter d’être reconnus et embarqués dans un conflit mafieux, les deux hommes choisissent d’intégrer un orchestre féminin et de se déguiser en femmes en prenant respectivement les noms de Joséphine et Daphné. Dans ce classique de la comédie américaine, Tony Curtis et Jack Lemmon nous livrent une performance des plus comiques du cinéma précurseur du « Nouvel Hollywood », sans oublier la talentueuse et remarquable Marilyn Monroe dans le rôle de la belle et séduisante chanteuse Sugar Kane !

Le film se poursuit par de nombreux quiproquos comiques auxquels s’ajoutent la peur des deux hommes d’être découverts et l’amour qu’ils portent à Sugar Kane, le tout brillamment mis en scène par le réalisateur Bill Wilder.

Quoi de plus comique et complexe pour un acteur que de jouer un double jeu ? Qui de Joe ou Jerry, ou plutôt…Joséphine ou Daphné sera l’heureux élue du cœur de Sugar Kane? Venez le découvrir…!  (Copie 35mm avec sous-titres Français,

Conférencière : Anna Iunes est une cinéaste brésilienne et une artiste visuelle multimédia (spécialisée en photographie) basée à Montréal depuis 2018. Passionnée par la création, c’est lorsqu’elle écrit et réalise qu’elle se sent le plus complète. Faire partie de n’importe quelle étape d’une production audiovisuelle est ce pour quoi elle est là. En 2019, elle a obtenu le prix Peter Lenkov en scénarisation et la bourse d’études de plus haut niveau à l’Alto Studio Tuscany en Italie. En 2018, elle a reçu le prix d’excellence pour les frais de scolarité internationaux de l’Université Concordia. En 2014, elle a obtenu une bourse complète à l’École nationale d’arts visuels de Rio de Janeiro.  Elle est également membre de la Golden Key International Honour Society.

Andrej, un reporter sportif, et sa femme, Christine, embarquent un auto-stoppeur sur leur route de vacances, lui proposant par la suite de se joindre à eux pour une excursion en bateau. Là, jaloux du physique du jeune homme, Andrej le rabaisse sur son inexpérience en mer. Naissent alors des tensions entre les trois protagonistes, évoluant inévitablement vers la violence, celle-ci savamment incarnée par le canif du jeune homme, symbole de virilité venant marquer l’enchaînement de ces vacances tourmentées.

Ce premier film confère d’emblée sa notoriété au réalisateur Roman Polanski, gagnant les grands honneurs du festival de film de Venise, le prix du meilleur film étranger, ainsi qu’une place en couverture du Time.

La fascination de Polanski pour la violence et la cruauté humaine, qui l’habitera tout au long de sa carrière, prend déjà sa forme dans cet opus. S’y déploie aussi son intérêt pour la complexité des relations humaines, s’animant parfaitement dans les tensions rencontrées au sein du couple.

Par la composition détaillée de ses plans en noir et blanc, ce film dépeint une représentation succincte et affirmée de ses personnages. Certains diront que le film reste l’œuvre la plus intéressante de la carrière de Polanski après son départ d’Europe. Doté d’une narration et d’un jeu d’acteur brillants, le style ironique et sinistre de Polanski offre une fraîcheur manquante à l’époque et continue de charmer les publics d’aujourd’hui.

Notre superbe copie d’apparence impeccable inclue des sous-titres anglais.

Conférencier invité: Chris Ding est diplômé de l’université de Washington à Seattle, recherchiste, traductrice de sous-titres, coordinatrice de festivals de films et productrice/co-hôtesse de podcasts.

L’ANGE IVRE d’Akira Kurosawa capture l’ambiance du Japon d’après-guerre de la même manière que les films néoréalistes italiens l’ont fait dans ce pays. Dans une ville ravagée par la guerre et contrôlée par les Yakuza (gangsters japonais), un médecin alcoolique dirige une petite clinique. Un jeune gangster, Matsunaga (Toshiro Mifune), vient se faire retirer une balle de la main et est traité par le docteur Sanada (Takashi Shimiurai), qui déteste les Yakuza. Sanada découvre que Matsunaga est atteint de tuberculose et, après des disputes/chicanes et des bagarres/quelques échanges de coups, convainc le gangster de le laisser traiter sa maladie, créant ainsi une relation d’amour-haine entre les deux/relation où s’alternent amour et haine entre les deux.

C’est le premier film sur lequel Kurosawa a pu exercer un plein le contrôle créatif et, bien qu’il ait réalisé d’autres films, c’est celui dans lequel sa voix personnelle se fait clairement entendre pour la première fois. C’est également le premier rôle principal de Mifune, sans doute le plus célèbre des acteurs japonais au monde livrant, avec son co-vedette, de fulgurantes performances ! Ce qui rend le film si puissant, c’est la dépendance des personnages l’un envers l’autre ; le besoin du gangster d’un traitement médical et d’un soutien émotionnel et l’élan humaniste qui pousse le médecin à le soigner malgré le fait qu’il déteste tout ce que les Yakuza représentent. Si vous avez envie de passer une soirée émouvante au cinéma, c’est un film à voir.

Conférencier invité : Elena Altheman est candidate au doctorat à l’Université Concordia et scénariste professionnelle. Ses recherches portent sur l’économie politique de l’industrie brésilienne de l’animation, avec un accent particulier sur le travail. Elle enseigne également l’écriture de scénarios et a écrit pour des émissions d’animation telles que Irmão do Jorel (Le frère de Jorel, 2014) et Clube da Anittinha (2018). Son travail peut être vu sur Netflix, Cartoon Network, HBO Max et d’autres. Elle est le co-auteur de Irmão do Jorel : Livro Fenomenal, publié en 2021 par Harper Collins.

À l’occasion de son 100e anniversaire, venez visionner NOSFERATU sur pellicule d’origine, projetée sur écran géant accompagné de l’organiste Peter Krasinski de Boston. L’unique version présentée est une restauration de 1999 qui n’est jamais sortie sur aucun format consommateur. Elle possède les teintes originales, des intertitres allemands et des sous-titres anglais. Des relevés de notes imprimés en français seront mis à la disposition de ceux qui en ont besoin. Précédé par LE CABINET DU DR. CALIGARI avec trois musiciens d’ici dans une majestueuse église gothique. Grignotines et boissons disponibles.

Co-présenté avec le Concours International d’Orgue du Canada.

Billets : https://ciocm.org/fr/events/event/cine-concert-nosferatu-peter-krasinski-orgue/

Ou sur place à partir de 18 h, le soir de l’événement.  25$, 20$ (étudiants & 65+) taxes incl.

Église Unie St-James, 463 rue Ste-Catherine O. (métro Place-des Arts)

Lorsque le Dr Miles Bennell (Kevin McCarthy) rentre chez lui dans sa petite ville californienne de Santa Mira, il est confronté aux rapports étranges de plusieurs de ses patients, qui insistent sur le fait que leurs parents relativement modestes sont en fait des imposteurs. Après un certain scepticisme initial, Miles est convaincu lorsque, lors d’un barbecue avec des amis, il découvre deux énormes cosses de graines qui éclatent pour libérer un fluide bouillonnant et deux répliques humaines incomplètes, dont l’une lui ressemble ! Supposant qu’une étrange invasion extraterrestre est en cours, Miles et son amoureuse/sa compagne Becky (Dana Wynter) tentent de s’enfuir, toute la ville des extraterrestres convertis à leurs trousses.

L’un des films paranoïaques les plus populaires de l’âge d’or de la science-fiction américaine, le film est à la fois une allégorie ambivalente de la guerre froide et un récit de terreur extraterrestre, car il met en scène les dangers du conformisme social et la menace d’une invasion venant à la fois de l’extérieur et de l’intérieur de la communauté. (Et la fin pessimiste du film, où Miles s’aventure sur une autoroute et crie “Vous êtes les prochains !” directement face à la caméra, vous fera vous demander à côté de qui vous dormez vraiment la nuit. Profitez d’une copie 35 mm impeccable, avec sous-titres français, projetée sur grand écran en “Superscope” ! (Projection commanditée par Maurice Roy.)

Conférencière : Mafalda Ade est diplômée en production cinématographique de l’École cantonale d’art de Lausanne (ECAL) et poursuit actuellement une maîtrise en études cinématographiques à la Mel Hoppenheim School of Cinema de l’Université Concordia. Elle a déjà travaillé sur plusieurs productions de documentaires et de longs métrages et a donné des cours sur le genre cinématographiques.

L’action se déroule en 1969, dans la miteuse maison londonienne de deux acteurs au chômage. Withnail et Marwood (le “I” du titre) sont dégoûtés par la misère qui les entoure. Pour échapper à la folie, ils décident de prendre des vacances à la campagne, grâce à l’oncle excentrique de Withnail, Monty. Peu importe où ils se retrouvent, ils ne peuvent se libérer du sentiment de désespoir qui les consume et se retrouvent constamment au centre d’inconfortables situations comiques.

“Withnail and I” est sans contredit le parfait prototype du film culte: sans effort, on vient à en connaître toutes ses juteuses répliques que l’on récite spontanément pendant la projection. Ce film est vénéré par les cinéphiles pour une raison toute simple : c’est un film très intelligent et brillant. Le film rend les protagonistes attachants grâce à un savant mélange de comédie, d’empathie et de mélancolie. “Withnail and I” est célèbre pour certaines des répliques les plus emblématiques de l’histoire du cinéma britannique. La présence de personnages tragiques ne fait qu’étoffer ce paysage de désolation. Le jeu de Richard E. Grant et Paul McGann apporte une dimension vulnérable et nuancée à leurs personnages d’ivrognes désespérés. Les seconds rôles ne sont pas en reste et contribuent grandement à donner vie au savoureux texte du scénariste et réalisateur Bruce Robinson. On n’a qu’à penser à Richard Griffiths, dans le rôle de l’oncle gai Monty, et de Ralph Brown, dans celui du trafiquant de drogue Danny, tous deux hilarants.

Si vous n’avez jamais vu ce film, c’est une occasion en or pour vous de découvrir ce petit bijou.

Si vous l’avez déjà vu, venez revivre ses moments les plus drôles et réciter ses répliques inoubliables. (Le CFS ne peut être tenu responsable de toute dilatation de rate excessive subie lors de la projection).

Conférencier invité : à déterminer

Nous sommes plusieurs siècles dans le futur et les forces du mal recherchent “LE CINQUIÈME ÉLÉMENT” qui, une fois réuni à l’eau, au vent, à la terre et au feu, leur permettra de détruire toute vie dans l’univers. Seuls pour sauver la civilisation?  Un infatigable et inusité trio : un chauffeur de taxi sarcastique (Bruce Willis), un prêtre érudit (Ian Holm) et une mystérieuse et incorruptible créature venue d’un monde lointain qui prend pour l’occasion la forme d’une jeune femme aux pouvoirs étonnants (Milla Jovovich). Pour réussir, ils devront échapper aux hédonistes autorités de leur propre planète, et affronter une armée de méchants de toutes races, espèces, formes et tailles, menée par le sanguinaire Zorg (Gary Oldman).

Il y a 25 ans, le réalisateur Luc Besson a donné un nouveau souffle au cinéma de science-fiction avec ce thriller du 23e siècle où on suit les péripéties d’un chauffeur de taxi volant et d’une beauté extraterrestre qui tente de sauver l’univers. Ce film d’action tentaculaire déborde de couleurs, de musique et d’humour excentrique. Il a fait une vedette de Chris Tucker, dans le rôle androgyne de Ruby Rhod, une flamboyante mégastar de la télévision du futur. Sans oublier que Besson a fait appel à de réputés créateurs de bande dessinée (Giraud et Mézières) afin d’imaginer une New York futuriste, et au designer Jean-Paul Gaultier pour des costumes avant-gardistes.

“Besson a fait tout ce que je pensais qu’un grand artiste devait faire”, a déclaré au Post le concepteur sonore Mark Mangini, qui a travaillé sur le film. “Il a embauché des artistes au sommet de leur art pour chaque département et leur a simplement demandé de faire ce qu’ils voulaient, créer,  sans aucune microgestion. Pour moi, c’était une révélation.”

Pour votre plus grand plaisir, nous vous présentons une copie 35 mm parfaite et glorieusement non restaurée afin que vous puissiez vivre cette expérience comme le public l’a fait lors de sa sortie en salle en 1997.

Cette histoire de passage à l’âge adulte qui se déroulant à l’été 1963 dans un village de vacances des Catskills, est un film sur le pouvoir subversif que peut exercer la danse sur une société élitiste. On suit l’histoire de Bébé (Jennifer Grey), une riche jeune fille de 17 ans, et la façon dont elle s’initiera à la sexualité et à la sensualité par l’intermédiaire de son instructeur de danse provenant de la classe ouvrière, Johnny (Patrick Swayze). Bien plus qu’un film exhibant des corps huilés et suaves, ce film expose avec habileté et autodérision les luttes entre les classes sociales au début des années 60, une époque idéalisée, encore innocente. On est plongé dans une ambiance parfois lourde et douteuse, même dans l’endroit confiné qu’est un village de vacances, tel que dépeint par la scénariste Eleanor Bergstein.

Le film, un plaisir coupable bien ficelé des années 80, n’est pas sans rappeler ROSE BONBON et LE FEU DE LA DANSE, et fait preuve d’un charme indéniable qui a su séduire son public. C’est ce qu’Hollywood fait de mieux, après tout! Un véritable pilier de la culture populaire, on y retrouve des citations iconiques telles que «On laisse pas Bébé dans un coin» et des tubes intemporels comme Time Of My Life.

Les habitués du CFS se douteront que l’expérience ne s’arrêtera pas là, puisque vous aurez droit à des numéros de danse lascive sur scène, sortis tout droit de la communauté burlesque montréalaise. Après avoir vécu autant d’émotions sur scène et sur pellicule 35mm, vous vous surprendrez à quitter le cinéma  en esquissant quelques pas de danse.